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Duo hip hop composé de Zoën aux machines et de Fysh aux platines, Mind The Beatz, sort son premier album Night Cuts. Dense et cinématographique, l'album oscille entre samples de B.O. et breakbeats poussiéreux, en passant par des morceaux clairement trip hop.

Tom Rowlands et Ed Simons sont comme des frères, et à force de se connaître depuis "toujours", cela va faire trente ans qu'ils font danser les gens ensemble, et vingt-cinq ans depuis depuis qu'ils ont sorti le premier EP de The Chemical Brothers. Ils sont un modèle de stabilité : aucun break, aucun split et une production de nouveaux disques avec une régularité déconcertante. Et pourtant, ils continuent à innover et à surprendre. Avec No Geography, leur neuvième album, ils livrent un de leurs meilleurs disques, et certainement leur plus beau. Dès le premier contact, nous comprenons que ce n'est pas un album pour rigoler. La pochette montre un char d'assaut sur une autoroute et le morceau d'ouverture s'appelle tout simplement Eve Of Destruction. Appliquant leur technique du sampling au graphisme, l'image est empruntée au livret de Consequences, un album sorti en 1977 par Godley & Creme, un duo de Manchester, ex-membres de 10cc et pionniers du vidéo clip dans les années 80. Le début de l'album s'enchaîne comme un DJ set qui raconterait une histoire ou, plus grandiose, comme un opéra apocalyptique. Nous savions que les Chemical Brothers maniaient parfaitement les rythmiques hypnotisantes, sur cette ouverture ce sont tous les éléments qui contribuent à l'envoûtement. Aurora (chanteuse norvégienne) et Nene (rappeuse Japonaise) ont pris une part active à l'écriture de leurs morceaux, et ne se sont pas contenté de poser un chant pour être samplées. Les autres parties instrumentales évoluent comme des êtres vivants. Le duo dépasse l'exercice de style, merveilleusement réalisé, et il y a sur ce disque une sensibilité artistique qui montre, si besoin en était, que la musique électronique peut être un art sensible et poétique. Quant au morceau titre, No Geography, c'est un poème de Michael Brownstein sur l'amour à longue distance et comment il peut survivre aux séparations géographiques. C'est une métaphore explicite sur le Brexit, la pire blague politique des temps modernes, que les britanniques qualifient de B-word, comme Fuck est le F-word. On sent l'appel du live sur cet album. Ed Simmons a passé une année sans partir en tournée (il était remplacé sur scène par Adam Smith qui gère d'habitude la partie visuelle de leurs shows), et cela l'a aidé à redécouvrir l'intensité de la scène. Plusieurs titres ont été joués en concert avant de finir l'enregistrement et on retrouve sur ce disque l'intensité d'un set : cet étrange sentiment entre précision et lâcher-prise. De quoi avoir hâte de les revoir sur scène.

Premier volet de la compilation sélectionnée par DJ Oonops, Oonops drops (nom de son émission de radio mensuelle sur Brooklyn Radio). Ce premier volume regroupe des genres très variés, allant du jazz au dub en passant par le hip hop, le funk et la soul, et met en lumière des pépites méconnues, inédites et pour la première fois en vinyle à destination des auditeurs avides et des DJs.

GENERAL ELEKTRIKS est de retour ! Après 2 albums et 200 dates en l’espace de 3 ans, Hervé Salters sort de studio avec un opus tout frais : Party Like A Human, son sixième album. Et à l’image de notre époque, il est paradoxal : ludique et concerné, funkoïde et mouvant. A l’ère du chaos et du constat planétaire, General Elektriks y convoque l’intime et le méta, l’alpha et l’oméga de son temps. Crise climatique, capitalisme effréné, egos surgonflés : autant de questions que posent ces 13 titres, relayées par un collectif de voix d’âges et d’horizons variés – Lateef The Truthspeaker, la chanteuse brésilienne Céu, le rappeur Quelle Chris, l’actrice franco-grecque Ariane Labed ou encore le guitariste Jeff Parker. Tour à tour céleste, grinçant ou dansant, Salters y retranscrit dans sa langue unique nos paniques actuelles, frappées au coin du bon sens autant que de l’évasion. Party Like A Human s’impose dès lors comme le grand disque exploratoire d’une période clé : interstellaire, nomade et organique. Du son avec du sens, à découvrir impérativement sur scène.

Daniel Lanois, l'un des plus grands producteurs de tous les temps, revient avec Player piano, un album instrumental et captivant ; une invitation à se perdre dans l'instant et à disparaître dans un monde d'imagination et de mémoire.

Premier album. "Sublime mélange de musique primitive africaine, d'électronique, d'acoustique et de magie vaudou, cet album s'annonce être un sérieux concurrent à la course aux albums qui marqueront l'année." TRAX ROMARE est un jeune musicien, tout droit venu d'Angleterre, où il fut un temps étudiant en Culture Visuelle Africaine Américaine. Le collage a inspiré le jeune homme à appliquer une technique similaire à la musique - une approche qui fut grandement fructueuse et reste aujourd'hui centrale à son oeuvre. Après avoir lésiné comme batteur et guitariste, il vécut à Paris, où il a acheté ses premières platines et commença à mixer sa propre musique avec des samples d'albums procurés d'occasion. C'est là qu'est née sa vision, donnant naissance à son premier EP "Meditations on Afrocentrism" sorti par le label Black Acre en 2012, et l'ajoutant à une formidable liste dont Loops Haunt, Fantastic Mr Fox, Blue Daisy et Dark Sky font déjà partis. Avec le soutien de Benji B, Gilles Peterson et Huw Stephens, la musique de ROMARE a, à juste titre, déjà causé une agitation. La scène est maintenant prête pour son impressionnant premier album, Projections. 1 DISQUE COMPACT ; NINA'S CHARM - WORK SONG - MOTHERLESS CHILD - RAY'S FOOT - ROOTS - JIMMY'S LAMENT - LOVER MAN - RAINBOW - PRISON BLUES - THE DRIFTER - LA PETITE MORT

2023 marque le 10ème anniversaire de l'album aux multiples Grammys de Daft Punk, 'Random Access Memories', comprenant les titres 'Get Lucky', 'Instant Crush', 'Lose Yourself To Dance' en collaboration avec Pharrell Williams, Nile Rodgers, Julian Casablancas, Paul Williams, Panda Bear et Todd Edwards.Pour célébrer cet événement, une édition spéciale comprenant 35 minutes de musique inédite (démos et prises de studio) est publiée.

Produit entre Kingston et Paris, Molécule est de retour avec « re-201 », un album solaire, dansant et instinctif. Molécule est un musicien hors-norme. Derrière cet alias énigmatique se cache Romain de la Haye-Serafini, compositeur de musiques électroniques, producteur et dj. C'est un aventurier, au sens propre comme au figuré, qui aime se confronter à des expériences et des territoires extraordinaires pour nourrir son imagination et en retirer une matière sonore et visuelle hors du commun. Il a fait du field-recording son passe-temps favori. Sculpteur de sons, chasseur de bruits en tous genres, il parcourt régulièrement le globe pour tirer la substantifique moelle de sa musique. Il se distingue aussi par une volonté farouche d'utiliser les technologies les plus avancées en terme d'enregistrement et d'immersion (son et vidéo). Un objectif : pousser les limites de la création toujours plus loin. Il en résulte une musique puissante, abyssale, qui prend forme lors de performances fascinantes et émouvantes. Le pionnier de la musique électronique nomade est aujourdhui de retour avec le très attendu« re-201 », qui témoigne de son amour pour le travail du son en studio et les collaborations artistiques avec des voix légendaires jamaïcaines : Johnny Clarke, Big Youth, The Congos... Ainsi que des piliers de la french touch comme Etienne de Crécy, Boombass et Falcon.

S16 comme le chiffre du soufre en physique, Woodkid livre un album personnel, véritable allégorie du combat personnel que chacun mène avec soi-même. Une œuvre faisant aussi écho à la situation mondiale actuelle, un véritable questionnement sur la notion d’échelle, de l’infiniment grand à l’infiniment petit, sur la notion de responsabilité collective et individuelle dans la création d’un monde au bord de la rupture. Cet album de 11 titres, lui permet de se livrer en profondeur, d’évoquer des sujets forts, à la fois centrés sur l’intime en abordant l’auto-destruction et la dépendance avec « Pale Yellow », « Enemy » ou encore « In Your Likeness », mais questionnant également la société et notre rôle dans son évolution avec « Goliath » ou « Shift ». Qu’avons-nous fait dans le passé ? Que ferons-nous dans l’avenir ? L’aventure continue.

Quand ils se sont recontrés dans les années 90, ERIC HILTON & ROB GARZA ont rapidement compris que leur entente et leur complicité allait leur permettre de faire de grandes choses. Leur premier album "Sounds from the Thievery Hi-Fi" sort en 1996 et cartonne dans le monde entier . Dédié à Antonio Carlos Jobim, il annonce déjà leur amour pour la Bossa Nova que l'on retrouve sur leur nouvel album, "Saudade" .Repoussant sans cesse les limites de leur imagination, ils reviennent aujourd'hui donc avec "Saudade" sur leur propre label ESL MUSIC. Influencé par les sons sud-américains, notamment du Brésil, THIEVERY CORPORATION distille tout au long des 13 titres de "Saudade" une ambiance chaleureuse et mélancolique à la fois, rendant hommage à ses ainés: Antonio Carlos Jobim, Gal Costa, Luis Bonfá, Serge Gainsbourg, Ennio Morricone. Beaucoup de titres sont chantés en français, nous faisant penser à la vague francophone dans la musique des années 60. On retrouve le batter d'U.N.K.L.E. Michael Lowery sur l'album, ainsi que Federico Aubele (auteur/compositeur argentin) et le percussioniste brésilien Roberto Santos.

"Coup de foudre musical" est une façon de décrire la genèse du duo formé par Chloé et la percussionniste bulgare Vassilena Serafimova. Une rencontre impromptue qui s'est depuis transformée en une collaboration durable, culminant avec la sortie de leur premier album commun cet automne après quatre ans de complicité sur scène et en studio. Chloé et Vassilena Serafimova se sont rencontrées en 2017, grâce à Sourdoreille qui les a invités à participer à leur série live électro-acoustique Variations. Leur premier album ensemble, Sequenza, est le fruit d'une collision harmonieuse entre deux mondes habituellement éloignés l'un de l'autre : celui de la musique électronique, généralement associée au clair-obscur des clubs, et de la musique d'art, qui baigne habituellement dans la lumière de salles de concert prestigieuses. Mais si mélanger les genres est souvent un exercice périlleux, dans ce cas, cela donne un cocktail puissant, aussi aérien que mélodieux.

Le producteur équatorien signe un deuxième album habité qui exalte ses racines andines, à découvrir en écoute intégrale. Le Siku est une flûte de pan très pratique. Ses tubes de roseau, placés sur deux rangées distinctes, lui permettent d’être jouée en solo ou en tandem. Dans cette dernière configuration, chaque musicien peut ainsi répondre à l’autre en n’utilisant qu’une partie des tubes seulement. En offrant le nom de cet instrument millénaire à son nouvel album, Nicolá Cruz a joué avec astuce sur les symboles : ce deuxième disque est bien le fruit d’une énergie duale, un métronome qui trouve sa force dans le mouvement d’un balancier désormais collectif. Il y a quatre ans, le Franco-équatorien surgissait des pentes de Quito avec un premier album qui bousculait l’espace-temps. Encouragé par un certain Nicolas Jaar, Cruz sortait alors Prender el Alma, un projet syncrétique entre traditions sud-américaines et productions électroniques contemporaines. Une transe tribale et brillante qui semblait tout droit sortie de son seul cerveau et du vieil entrepôt de la capitale montagneuse où il l’avait enregistrée. La plus grande nouveauté de ce second disque tient donc d’abord à l’élargissement créatif dont il est le fruit, l’invitation de Cruz à une vingtaine de chanteurs et musiciens qui vont guider son regard moderne dans les entrailles de la tradition andine. Esteban Valdivia est de ceux û là, un compatriote qui offre son souffle au titre introductif de l'album dans une sorte de fugue mariant le vent aux percussions et, comme un symbole, totalement dénuée d’électronique. A sa suite, Siku apparait d’ailleurs comme un véritable pont entre les deux univers, la flûte de pan prenant des couleurs plus synthétiques tandis que les beats caractéristiques du producteur refont ici leur apparition, parfois ponctués de coup de baguettes disruptifs. Avec son El Diablo Me Va A Llevar, Nicolá Cruz plonge alors dans une fusion qui aiguise les sens, une écorce sombre et cyber où le roseau andin va jusqu’à faire écho lointain au bambou japonais du collectif Geinoh Yamashirogumi. Cet album ne serait pourtant pas celui d’un esprit collectif, recherché aujourd'hui par le trentenaire, si des voix amies n’en formaient pas la corde sensible. Ces chants forment bel et bien le cœur de son disque, sous forme de harangue montagneuse avec Hacia Delante, de ballade aux effluves bossa sur Criançada, ou encore dans le mystère fusionnel de Voz De Las Montañas, un titre où l’étrange duo suédo-colombien Minük fait acte de spiritisme oriental.

Le musicien le plus loufoque de sa génération, qui n'hésite pas à parodier du hip hop (qu'il aime tant) en jouant au crooner, vêtu de costumes roses, de rouflaquettes has been, a en 2005 laissé cette facette de son personnage derrière lui. Place ici à l'Artiste. Au pianiste plus précisément. En seize plages toutes aussi intimistes et émouvantes les unes que les autres, Gonzales surprend ici par sa finesse musicale. A l'écoute de ces petites pièces au piano, sans chant, le musicien québécois émigré à Paris compose la musique de notre film mental. Un film en noir et blanc, au scénario le plus souvent tragique. Plus proche d'un Erik Satie que d'un Yann Tiersen, Gonzales se laisse aller à la mélancolie, proposant des progressions très travaillées, rythmiquement et mélodiquement... A l'instar du sensible « Carnivalse », le reste de ce disque se déploie progressivement au fil des écoutes, laissant l'auditeur dans une rêverie inespérée de la part du trublion Gonzales. Impossible de dire si ce Solo Piano est (comme beaucoup le scandent) le meilleur album de Gonzales, pour la simple et bonne raison qu'il n'est comparable en aucun point. On retiendra juste de cette performance pianistique qu'elle est inévitablement l'ouvre d'une âme artistique démesurée, outrancière et outrageusement sensible.

Olafur Arnalds dévoile Some kind of peace : piano reworks ; un album de reprises créatives de piano par des artistes du classique moderne, de l'électronique et du jazz : Yiruma, Dustin O'Halloran, Hania Rani, Alfa Mist, tstewart, Lambert, Sophie Hutchings, Eydís Evensen et bien d'autres...

Impossible de ranger Orange Blossom dans une boîte quand bien même elle contiendrait le monde, car Orange Blossom va bien plus loin que de « la musique du monde ». Electro alors ? Idem. Orange Blossom est la vision de Carlos Robles Arenas, un compositeur mexicain basé à Nantes qui a été piocher dans la tradition turque, égyptienne, malienne, sénégalaise et cubaine, avec des voix chantées en arabe, persan et portugais pour offrir au monde un quatrième album de musique actuelle, limpide et mystérieux à la fois. Attirants comme un chant de sirène, ces treize nouveaux morceaux depuis dix ans nous baladent entre un dance floor déchainé et une salle de méditation sans aucune contradiction. Si la beauté avait une bande son, il y aurait des morceaux d'Orange Blossom dedans.

L’année dernière, nous avions été surpris par le virage hip-hop jazzy de Stand High Patrol avec leur dernier album The Shift (chroniqué ici). Ceux qui s’attendaient à du dub-a-dub digital bien wicked ont été quelque peu déçus des sonorités boom-bap des années 1990 totalement inattendus. Alors pour tenter de rectifier le tir, ils annoncent un album en collaboration avec la diva italienne Marina P intitulé Summer on Mars. Avoir deux têtes d’affiche pour un album collaboratif, ça donne toujours envie. La voix savoureuse et soulful de Marina P qui nous a succombé avec sa reprise de « I Wish I Were That Girl » en 2014 sur des productions de Stand High Patrol, on a toujours envie de savoir ce que cela donne. La touche Play appuyée et c’est parti pour un bon moment de musique avec des ambiances bien ténébreuses qui habitent les titres « Working Class » plutôt bluesy, « Landlord » et « Fragile ». Musicalement parlant, Stand High Patrol effectue un revirement musical (timide) vers ses origines mais plus ténébreux qu’auparavant comme le signale « Atmosphere » aux nappes synthétiques transcendantes et les saveurs plus dub « Spring Rain » sublimé par ses notes de trompette. On retiendra tout simplement l’interprétation solennelle de Marina P qui arbore les saveurs plus trip-hop et qui subliment les instrumentaux désabusés de « Raw Lines » et du morceau-titre plus hip-hop mais elle est parfois rejointe par la voix de Pupajim qui surgit uniquement sur « Dreamcatcher ». Un album dense et extra-terrestre qui contourne les territoires du skank pour une oeuvre se voulant universelle malgré elle.

The Fat of the Land est un album du groupe The Prodigy, emblématique du style big beat. Il a été publié par XL Recordings le 1er juillet 1997. L'album a causé une petite controverse en Grande-Bretagne en raison de l'apparence du chanteur, Keith Flint, dans la vidéo du premier single : Firestarter. Certaines personnes ont parlé de misogynie pour le titre Smack My Bitch Up, mais le groupe maintient qu'il s'agissait d'un trait d'humour en rapport avec le gangsta rap. Une citation du nazi Hermann Göring figure dans le livret qui accompagne l'album : « Steel? We have no butter, but I ask you - Would you rather have butter or guns? Shall we import lard or steel? Let me tell you, Preparedness makes us powerful. ...Butter merely makes us fat. Lard? » Liam Howlett présente cette citation comme une expression qui pourrait être celle d'un « mauvais garçon » de la scène hip-hop, sans lien avec son contexte d'origine. Comme sur la pochette de leur album précédent, le logo indique Prodigy au lieu de The Prodigy, ce qui a laissé penser que le groupe changeait de nom. Liam Howlett indiquera bien plus tard qu'il s'agissait uniquement d'une contrainte esthétique, mais que le nom du groupe a toujours été The Prodigy, comme les albums suivants le rappelleront.