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'Ces rituels de guérison imaginaires répondent aux trois impératifs du corps en souffrance : le silence, la transe et la beauté. Le silence pour le calme, l'apaisement et la contemplation. La transe pour l'oubli des douleurs et des angoisses. La beauté dont l'esprit a besoin de se nourrir pour retrouver l'espoir et l'envie de vivre face à la laideur du corps qui souffre. C'est une formation en quartet proche de la musique de chambre qui incarne la modernité de ces rituels. Et pourtant ils s'inscrivent dans la continuité des rituels de guérisons de traditions ancestrales et souvent animistes qui m'ont inspirées pour les composer. Naïssam invente une musique à son image : métissée et combative, qui fusionne des compositions d'une grande richesse mélodique, groove ondoyants, harmonies précieuses renvoyant aux musiques du Moyen-Orient et un certain lyrisme modal évoquant tour à tour la musique nomade de Don Cherry et le jazz mystique obsessionnel de John Coltrane.

"Here I Am" est sans aucun doute l'un des meilleurs albums du groupe californien avec 12 titres parfaitement produits. Mêlant textes engagés et intelligents à des sonorités roots parsemées d'envolées jazzy, Groundation livre une nouvelle fois une démonstration musicale exemplaire ! "Here I Am" est ponctué de longs solos instrumentaux qui rappellent souvent les influences de Pink Floyd. Un nouvel album plein de charme, un album qu'on écoute en boucle sans se lasser, découvrant à chaque fois une nouvelle performance, de nouvelles subtilités instrumentales insoupçonnées. "Here I Am" sonne aussi l'arrivée de deux voix féminines en la présence de Stéphanie Wallace et de Kim Pommel. Harrison Stafford profite également de l'occasion pour partager la scène avec les mythiques Congos et monsieur Pablo Moses qui apporteront leur touche à un album qui s'inscrit comme un incontournable du Reggae/Roots spirituel.

La question pourrait être : "Comment sortir de (chez) soi ?" Car si Henri Texier a donné le titre aussi paradoxal qu'explicite à ce disque c'est qu'il ne fait aucun doute dans son esprit que la musique qui le compose n'aurait jamais vu je jour sous cette forme sans l'épisode du confinement. "Il se trouve qu'avec Sébastien, mon fils mais aussi mon plus fidèle partenaire depuis près de 30 ans, nous habitons le même village ! Quand on s'est retrouvé enfermés à cause de l'épidémie de Covid-19, on s'est dit qu'au lieu de se morfondre chacun chez soi, on pourrait peut-être braver les interdits et se réunir deux ou trois fois par semaine - pour continuer à jouer, tout simplement. Au départ, c'était juste ça : un geste de survie un peu instinctif, une réponse directe et spontanée à la nécessité où l'on se trouvait de ne pas laisser la musique s'échapper !" "Ce que l'on sent dans ce disque, c'est l'impulsion initiale : on n'avait pas d'argument à défendre ; pas de justification à donner ; pas de concept à incarner ; pas d'histoire extramusicale à défendre ou à illustrer - on a juste fait de la musique dans un réflexe de survie, pour la beauté du geste !" De la musique pure, de la musique nue, de la musique libre...

Le second album d'une des figures montantes de la scène soul comtemporaine ! S’étant affirmée en quelques années comme l’une des figures les plus flamboyantes de la scène musicale actuelle, la chanteuse et pianiste américaine Sarah McCoy est de retour en force avec son deuxième album intitulé High Priestess. Enregistré avec le chevronné producteur Renaud Letang (Feist, Keren Ann, Charlotte Gainsbourg...) et sous l’aile bienveillante de Chilly Gonzales, ce nouvel album marque un tournant pour l’autrice-compositrice-interprète accomplie, dont la voix puissante laisse percer de douloureuses fêlures. Rompue à l’exercice en solo de son premier album Blood Siren, elle évolue maintenant vers des sonorités plus modernes et électroniques tout en gardant cette conviction viscérale de chansons gorgées de vie.

Cet album porte sur la construction de l'espoir dans un contexte de douleur. La douleur au sein des familles, en nous-mêmes et dans le monde en général. Sur une instrumentation variée, le rappeur du sud de Londres rédige un manifeste personnel et politique. Avec l'urgence de naviguer dans la tourmente d'une jeune paternité, d'une identité raciale mixte et des retombées d'un été de protestations internationales contre l'injustice raciale, Loyle Carner s'engage dans un processus d'auto-examination de sa place dans le monde, en tant qu'homme noir métis, artiste, père, fils. Le paysage sonore de l'album est façonné par l'utilisation d'instruments live et les productions du célèbre producteur Kwes.

Après Love Is Everywhere, Laurent Bardainne emporte son Tigre d'Eau Douce dans une exploration dédiée à l'astre du jour. Arnaud Roulin (complice de Bardainne dans Thomas de Pourquery Supersonic) à l'orgue Hammond, Sylvain Daniel (Camélia Jordana et l'ONJ) à la basse, Philippe Gleizes à la batterie, Roger Raspail aux percussions : c'est avec le même quartet de fidèles qu'il a écrit ces nouvelles aventures félines. Le saxophone mat de Bardainne laissant les grands noms du jazz spirituel faire écho dans ses clés, le compas musical ouvert depuis le hip hop jusqu'aux rythmes africains, de Pharoah Sanders à Kruhangbin et Sault, Hymne Au Soleil guide le Tigre dans un voyage onirique et cinématographique vers une soul rétro futuriste solaire.

Récompensé quatre fois d’affilée comme meilleur batteur de l’année aux Blues Music Awards, Cedric Burnside a ajouté la guitare à son spectre musical, électrisant en toute liberté son héritage Mississippi Hill Country blues. Une musique de l'âme rugueuse et rageuse enregistrée en trois jours au Royal Studios à Memphis, le home studio d’Al Green dans les années 60 et 70, avec l'aide de Boo Mitchell, producteur entre autres de Solomon Burke, Al Green, John Mayer, Snoop Dogg ou Cody Chesnutt. Sur ses treize nouveaux titres, le bluesman est rejoint par des invités comme Luther Dickinson, guitariste des Black Crowes et fondateur du North Mississippi Allstars ainsi que par le bassiste d'Alabama Shakes, Zac Cockrell (FIP).

Qualifier simplement Curtis Harding de soul man est réducteur. Sa voix transmet à la fois la douleur, le plaisir, la nostalgie, la tendresse, la tristesse et la force : toute une gamme d'émotions. Aujourd'hui, elle prend une tournure optimiste avec cet album. Il s'agit de sa première nouvelle musique depuis 2018, qui fait suite à son album Face Your Fears. L'album inclut des chansons comme Hopeful, où Harding croone avec dévotion sur un groove soul classique, des choristes gospel l'accompagnant sur des fioritures psychédéliques modernes. Harding nourrit un son psychédélique qui se mêle à l'essence de la Soul. Ses chansons véhiculent un mélange éclectique de genres, issus des nombreuses vies musicales qu'il a vécues, de l'enfance où il suivait sa mère évangéliste et chanteuse de gospel en tournée dans tout le pays, au rap d'Atlanta, en passant par la formation d'un groupe dans un garage avec Cole Alexander de The Black Lips et le back-up de Cee Lo Green. ? travers ces expériences, il embrasse pleinement les subtilités les plus sombres de la vie et crée des mélodies dynamiques et addictives.

À la fin des années 60, le son cristallin du clavier électrique Fender Rhodes exerça une étrange fascination sur certains musiciens. Hancock en utilisa un pour la première fois avec Miles et fut étonné par le son qui en sortit, plein, puissant et coloré. En dehors de la science des arrangements de Miles, In A Silent Way doit en partie sa magie au "mood" en phase avec l'époque que génère l'utilisation simultanée des trois claviers électriques de Hancock, Corea et Zawinul. Les fulgurances entrecoupées de silences du trompettiste sont portées par l'alchimie des claviers et des polyrythmies. Lumineuse, cette œuvre dont on retrouve des traces sur Zawinul annonce celles de Weather Report.

En tant que dernier chapitre de la série initiale des Jazz Is Dead, ces remixes poursuivent la catharsis créative d'un nouveau chapitre exaltant de la musique jazz. Adrian Younge et Ali Shaheed Muhammad ont fait appel à neuf créateurs emblématiques pour réinventer leurs favoris du catalogue Jazz Is Dead à ce jour : Cut Chemist, DJ Spinna, Georgie Anne Muldrow, Akili, Shigeto, Pink Siiffu, Dibiase, Natureboy Flako et Kaidi Tathum ont créé de nouvelles versions saisissantes. C'est une affaire de famille...

Dix noms dont l'univers musical a résonné dans les lieux les plus divers de Coutances, du théâtre à la salle Marcel-Hélie en passant par les caves des Unelles, la cathédrale, les collèges, l'hôpital, la maison d'arrêt ou les concerts chez l'habitant. Dix musiciens qui ont marqué le festival de leur empreinte par leur engagement total, tant artistiquement qu'humainement. La 40e édition de Jazz Sous Les Pommiers ne pouvait être fêtée sans eux ! Pour l'occasion, chacun des résidents a arrangé l'une de ses compositions, pour qu'elle soit jouée par le groupe au complet !

"Après un retour aux sources avec l'album de standards Time for love, j'ai eu envie d'un saut vers l'inconnu. Enrichir sa palette sonore d'un instrument oriental comme le oud, oblige à prendre un chemin de traverse, à trouver un langage, débarrassé des codes esthétiques du jazz, libéré des conventions du genre. Le oud est un instrument millénaire, qui met l'âme en vibration avec un autre monde, et qui par sa facture même, balise l'écriture et impose de trouver un point de rencontre, à défaut d'avoir une langue commune. C'est tout le défi que représente ce projet et qui en fait la richesse, il nous oblige à nous écouter et nous exprimer de manière inédite, à nous mettre au diapason d'un autre univers. La rencontre avec Mohamed Abozekry a été capitale, car Mohamed est un véritable improvisateur, qui, s'il n'a pas les mêmes références , a une connaissance profonde de la musique et une grande maîtrise technique de l'instrument. Entourés du batteur virtuose Donald Kontomanou, du contrebassiste d'excellence Philippe Aerts, du pianiste d'exception Damien Argentieri et avec Wassim Halal aux percussions orientales comme invité, tout devient possible." Sophie Alour

La légendaire Rhoda Scott réunit à ses côtés la fine fleur du jazz féminin dans un casting jubilatoire : Sophie Alour (ténor), Lisa Cat-Berro (alto), Julie Saury (batterie), le Lady Quartet qui depuis 10 ans a enchanté tous les festivals de jazz en Europe, agrémenté de Airelle Besson (trompette), Céline Bonacina (Baryton), Géraldine Laurent (alto), et Anne Paceo (batterie). Un double carré d'As, élégant, swinguant et groovant à souhait !

« Les Egarés » est plus qu'un disque. C'est un espace de jeu, un lieu de vie musical, un asile poétique habité par un double duo : Ballaké Sissoko (kora) et Vincent Segal (violoncelle) d'un côté, Vincent Peirani (accordéon) et Emile Parisien (saxophone) de l'autre. Avec ces magiciens-là, 2+2 ne fait plus 4, mais 1.

L'ÉVÈNEMENT JAZZ: LE NOUVEL ALBUM DE LA LÉGENDE VIVANTE DU JAZZ. Archie Shepp & Jason Moran : il y a des rencontres qui révèlent comme un fil de trame dans l'histoire de la musique. Des résonances jusqu'ici presque imperceptibles, et qui soudain s'entendent clairement. En Europe, nombreux sont ceux qui ont découvert Jason Moran au côté de Charles Lloyd, en quartet, ou dans un bouleversant duo. Lloyd et Shepp, peut-être les plus dissemblables et les plus complémentaires des quatre grands héritiers directs de Coltrane au saxophone - avec Shorter et Sanders - se trouvent ainsi rapprochés par le grand art du pianiste, toujours à l'écoute, toujours inventif. Note après note, celui qui s'est révélé ces vingt dernières années comme l'un des musiciens essentiels - et l'un des plus originaux - du jazz contemporain, pose à ses aînés des questions profondes, mettant en évidence leurs places singulières et essentielles dans l'histoire des musiques afro-américaines. Pour Archie Shepp, ce duo avec un pianiste s'inscrit dans une longue et brillante série ( Abdullah Ibrahim, Siegfried Kessler, Joachim Kühn...), mais plus qu'à tout autre, on pense à ceux avec Mal Waldron d'une part, puissante, irrésistible évocation de Billie Holiday, et avec Horace Parlan de l'autre (Going Home, chef d'oeuvre absolu empreint lui aussi de Negro Spirituals). « Archie Shepp a largement contribué tant à la diffusion du jazz qu'à son invention. Une légende vivante. » --- FRANCE CULTURE ---. « Archie Shepp est avec Sonny Rollins, l'un des meilleurs interprètes du jazz ayant, pour sa part, disposé sa sensibilité libertaire au recueil et à la comparution de l’entier de cette musique autant qu'à son invention. » --- JAZZ MAGAZINE ---. « Quatre mains, deux instruments, une déclaration commune: Shepp a trouvé un moyen d'exceller constamment dans cet espace, dans la prise de parole comme dans l'écoute. Ce qui importe avant tout ici c'est l'intensité de l'interaction entre les deux voix, comment le dialogue se déploie. Et dans toutes ces rencontres, Shepp a su le magnifier: développant ces conversations avec juste ce qu'il faut de force et de liberté. » --- ASHLEY KAHN ---. « Toute l'oeuvre d'Archie Shepp est acte de mémoire. La décision artistique est intimement liée à cette exigence. L'improvisation, qui décide des formes de l'idiome, toujours singularisé, se double d'une inscription dans le tissu d'une mémoire collective, celle de l'événement fondateur de l'histoire des Africains-Américains : la déportation, l'esclavage, la ségrégation. Cette mémoire, portée par les blues, Archie Shepp en est le passeur autant que le témoin. » --- FRANCE CULTURE ---.

Trombone Shorty nous présente la suite tant attendue de son album Parking Lot Symphony, sorti en 2017. Lifted capture l'énergie explosive de ses concerts légendaires et combine les sons hérités de sa Nouvelle-Orléans natale (funk, gospel, chants de Mardi Gras). Avec des paroles, des mélodies et des rythmes modernes, l'artiste crée quelque chose de frais et d'unique.