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Présentation de l'éditeur Monsieur Perrichon vient de prendre sa retraite. Partant en voyage, il emmène avec lui sa femme et sa fille dans la ferme intention de goûter aux joies du tourisme. Le programme, effectivement, est alléchant : trajet en train, excursion dans les Alpes... Pour un bourgeois du second Empire, c'est une belle aventure. Mais rien ne se passe comme prévu. Et pour le lecteur qui suit en riant le cheminement du brave Perrichon, ce voyage dans l'âme humaine s'avère finalement bien instructif ! Monsieur Perrichon vient de prendre sa retraite. Partant en voyage, il emmène avec lui sa femme et sa fille dans la ferme intention de goûter aux joies du tourisme. Le programme, effectivement, est alléchant : trajet en train, excursion dans les Alpes... Pour un bourgeois du second Empire, c'est une belle aventure. Mais rien ne se passe comme prévu. Et pour le lecteur qui suit en riant le cheminement du brave Perrichon, ce voyage dans l'âme humaine s'avère finalement bien instructif ! Cette comédie de 1860 est l'un des chefs-d’œuvre du théâtre comique français. C'est aussi la première pièce connue qui soit consacrée au tourisme, aux chemins de fer et à la montagne.. La classique comédie amoureuse a donc pour toile de fond les affres des voyages, les aventures à la gare et le tourisme alpestre. La peinture psychologique de ce M. Jourdain à la Mer de glace restera célèbre M. Perrichon se prend d'affection pour ceux à qui il rend service et de haine pour celui qui lui sauve la vie : « Un imbécile est incapable de supporter longtemps cette charge écrasante qu'on appelle la reconnaissance. »

Un moment dans la vie d'Edouard Baer, acteur et metteur en scène français. Une introspection publique ; un moment d'exhibitionnisme extrême. Mais aussi un hommage à des maîtres, comme une statue intérieure. Un exercice d'admiration.

Scapin, le valet italien, est fourbe. Il est menteur, voleur, hypocrite et perfide. Mais, à sa façon, il est aussi fidèle et courageux. Il lutte en permanence contre les injustices de son temps, celle par exemple qui empêche les amoureux de se marier librement. Voilà pourquoi ses jeunes maîtres lui confient leurs amours, voilà pourquoi il s'engage à les aider. Et quand Scapin donne sa parole, l'action se précipite. Toutes les ruses et toutes les inventions burlesques sont permises !

Branle-bas de combat dans les ruelles napolitaines ! Octave a, en secret, épousé Hyacinthe, la jeune femme qu'il aime, mais voilà que son père a décidé à son tour de le marier à une inconnue ; quant à Léandre, c'est Zerbinette qu'il aime, mais son père en a lui aussi décidé autrement. Alors, que vont bien pouvoir faire ces deux jeunes gens sans le sou contre la puissance et l'autorité de leurs barbons de pères ? Faire appel à Scapin, bien sûr, le valet bondissant et malicieux, joueur et beau parleur : rien de tel que l'un de ses nombreux tours pour retourner la situation ! Personnage clef de la commedia dell'arte, Scapin est de tous les coups pendables, de toutes les comédies : rien d'étonnant à ce que Molière l'ait choisi pour animer l'une de ses farces les plus enlevées. Rien d'étonnant non plus à ce que cette pièce ait été l'une des plus jouées et des plus applaudies du répertoire de Molière : son humour universel continue de divertir même les pince-sans-rire. --Karla Manuele --Ce texte fait référence à l'édition Poche . Description Des fils désobéissants, des jeunes filles désemparées, des pères intransigeants, des situations complexes, un valet secourable, il n'en faut pas plus à Molière pour ressusciter une dernière fois ici le parfum puissant de la Commedia dell'arte. Le rire éclate, la farce triomphe sans partage. Entre deux fourberies et avant que le brancard n'emporte Scapin dans les coulisses, l'amer regard du moraliste se glisse, dénonçant une société où la jeunesse est en danger... --Ce texte fait référence à une édition épuisée ou non disponible de ce titre.

Magdelon et Cathos, deux jeunes provinciales, débarquent à Paris en quête d'amour et de jeux d'esprit. Gorgibus, père de Magdelon et oncle de Cathos, décide de les marier à deux prétendants, mais elles les ridiculiseront de telle façon que ceux-ci décident de se venger... Cette comédie en un acte et en prose, la première de Molière imprimée en 1660, affichait son ambition d'offrir à ses contemporains un miroir déformant de la préciosité ridicule, du grotesque bourgeois.

Lorenzaccio est un drame romantique, en cinq actes, écrit par Alfred de Musset, en 1834, sur une idée de George Sand, qui lui avait confié le manuscrit de sa scène historique inédite intitulée Une conspiration en 1537. Il est publié en août 1834, dans le premier tome de la seconde livraison d'Un Spectacle dans un fauteuil. Il y présente un héros romantique, Lorenzo. L'intrigue de cette pièce est une reprise d'événements réels racontés dans une chronique de la Renaissance sur la vie de Florence au XVIe siècle : la Storia fiorentina de Benedetto Varchi. Mais Musset a modifié la fin de l'histoire. En effet dans la réalité, Lorenzo s'enfuit, reste en vie encore quelques années et sa mère, elle, survit, alors que le personnage de la pièce se laisse tuer après avoir appris le décès de celle qui lui a donné la vie. Les anachronismes et "erreurs" historiques sont en fait nombreux dans le drame, montrant à quel point la fidélité historique n'était pas la priorité du dramaturge. En ce sens, on peut donc bien dire que c'est un drame romantique que Musset a écrit à partir d'une scène historique. Il a été joué, pour la première fois, de façon posthume, au théâtre de la Renaissance en 1896, dans une version en cinq actes et un épilogue, mise en scène par Armand d'Artois, avec Sarah Bernhardt dans le rôle-titre.

" En adaptant la trilogie, j'ai souhaite revenir aux sources de cette mythologie comme d'autres revisitent inlassablement Shakespeare, Tchekhov ou Molière. Je suis reparti des pièces de Marcel Pagnol bien plus que du film d'Alexander Korda - Marius - ou de celui de Marc Allegret - Fanny. On trouve ici ce qu'on retrouvera dix ans plus tard dans La Fille du Puisatier. Tout chez Pagnol est repété. C'est le même thème qu'il traite indifféremment, la poursuite sans trêve de la recherche des sentiments. De nouveau, nous sommes face à l'absence de la mère, au départ des enfants et à la figure forte et maternelle du père. Ces deux recits cristallisent de nombreux thèmes modernes et intemporels que je souhaitais mettre en avant, et notamment celui des liens du sang. La question centrale est celle de la paternité. Qui est le père, celui qui paye les biberons ou celui qui donne la vie ? Et si les liens du sang n'étaient pas si primordiaux et que seul comptait l'amour ?" Daniel Auteuil. trilogie Marius, Fanny, Cesar Je viens de voir au cinema les 2 films Marius, Fanny et je felicite Daniel Auteuil pour sa realisation et son interpretation. J'attends avec impatience de Voir Cesar qu'il ne devrait pas tarder a tourner j'espere.

Oedipe roi débute sur une scène de chaos: les habitants de la ville de Thèbes souffrent d'une épidémie de (...) ö ? Voir plus la peste et les champs sont secs. Les Thébains font appel à leur roi Oedipe pour mettre un terme à cette situation. Ce dernier demande l'intervention d'un devin pour déterminer la cause du mal qui les ronge. Il va finir par découvrir que les dieux le punissent lui, pour avoir tuer son père, Laïos, et avoir épousé sa mère, Jocaste. Le parricide et l'inceste sont considérés comme des crimes abjectes par la culture grecque, d'autant plus qu'Oedipe se trouve être par la même non seulement le père de ses quatre enfants, mais aussi leur frère. Il est donc condamné à l'exil.

La tragédie de Phèdre fut jouée pour la première fois le 1er janvier 1677 ; elle s'appelait alors Phèdre et Hippolyte. Elle ne fut dénommée Phèdre qu'à partir de l'édition de 1687, soit dix ans plus tard. Ce changement est très révélateur, il nous apprend que, pour Racine, le personnage principal est sans aucun doute Phèdre et qu'en elle nous devons chercher la source du drame qui va se jouer. Comme l'écrivait justement Gide dans son Journal, cette pièce réside dans le conflit qui tourmente l’épouse de Thésée, "théâtre et victime d'une tragédie interne." Phèdre est un personnage tragique Un personnage passionné Une femme divisée

Phèdre, seconde femme de Thésée, roi d'Athènes, éprouve un amour criminel pour Hippolyte, le fils de son époux ; tel est le fatal secret que lui arrache, après bien des prières, înone, sa nourrice. Au moment où elle vient de faire ce cruel aveu, Thésée est absent et bientôt le bruit de sa mort se répand dans Athènes.

H1 est venu rendre visite à son ami, H2, pour lui demander des explications sur les raisons de son éloignement. H2 commence par se dérober : "C'est... c'est plutôt que ce n'est rien... ce qui s'appelle rien...". Puis sous la demande insistante de H1, il finit par lâcher la cause de sa vexation : ce rien là, est une certaine appréciation "condescendante", un étirement d'une syllabe dans l'expression "C'est bien... ça", portée par H1 à l'occasion d'une certaine réussite de H2. Dès lors, le duo amical se transforme en duel meurtrier du langage car H1 ne reconnaît pas avoir donné cette nuance condescendante à son propos. H2 propose de poursuivre l'explication devant une sorte de petit tribunal, les voisins de palier, mais ceux-ci finiront par partir sans avoir compris l'enjeu du différend entre les deux amis. H1 et H2 poursuivent leur discours, gagnant chacun à leur tour du terrain sur l'autre sans jamais trouver celui de la conciliation et dans un mouvement perpétuel d'approche et de décalage sur les appréciations que chacun croit déceler dans les intonations ou intentions de l'autre. Il n'existe aucun tribunal pouvant les départager sinon celui qui rendrait un verdict consistant à les débouter et à les renvoyer à l'insignifiance apparente de leur demande. Le destin de leur amitié ne tient tragiquement que pour un oui ou pour un non. Personnage(s) : 2 2 homme(s)

Pièce emblématique du théâtre de l'absurde au même titre que La Cantatrice chauve, la pièce dépeint une épidémie imaginaire de « rhinocérite », maladie qui effraie tous les habitants d'une ville et les transforme bientôt tous en rhinocéros. Cette pièce est généralement interprétée comme une métaphore de la montée des totalitarismes à l'aube de la Seconde Guerre Mondiale et aborde les thèmes de la conformité et de la résistance.

Films, livres, ballets, comédies musicales, le mythe de Roméo et Juliette demeure l'un des plus fertiles en termes d'adaptations et de réécritures. Le signe que les amants de Vérone sont notre miroir. Ils nous disent que l'amour et la haine peuvent conduire à la mort, que l'innocence face à l'intrigue perd souvent le combat, posant la question du destin avec une acuité inégalée. Dans cette aventure universelle, le génie de Shakespeare est celui d'un orfèvre ciselant un chant tragique bouleversant.